Схема проезда - как доехать до Музей и галереи современного искусства Эрарта

Справочная информация

Название музея образовано из двух слов — era и arta, что означает «время искусства». Первое, что видят посетители при входе в музей, — скульптуры петербургского художника Дмитрия Жукова, «Эра» и «Арта», созданные специально для проекта.

В Санкт-Петербурге Эрарта находится в бывшем здании НИИ, выполненного в стиле сталинского классицизма. Интерьер института был полностью переделан под нужды современного музея. Реновация здания заняла три года, и музей открыл свои двери для посетителей в 2010 году. На территории 10 000 кв.м на пяти этажах под одной крышей размещаются музейная коллекция, временные выставки, галерея и несколько концертных залов.

В музейной коллекции представлены 2 300 работ 250 художников из всех регионов страны. Галереи сотрудничают со 170 российскими авторами из 20 населенных пунктов. Это отличает Эрарту от остальных арт-институций страны, работающих преимущественно с авторами из Москвы и Санкт-Петербурга.

Эрарта открывает более 52 выставок современного российского искусства в год — это более чем одно открытие в неделю! Также практически каждый день в Эрарте проходят концерт, спектакль, лекция, фестиваль или кинопоказ — таких событий в год более 300!
Более 200 000 посетителей музея и международных галерей в год.

Эрарта входит в Топ-10 лучших музеев России по версии TripAdvisor, наряду с Эрмитажем и Третьяковской галереей, являясь единственным музеем современного искусства в списке.

Эрарта стремится быть открытой и дружественной во всем, от идеологии до стиля: красивые современные интерьеры, понятная навигация, удобный режим работы с 10:00 до 22:00, бесплатный Wi-Fi во всем здании, дружелюбный персонал и в целом ориентация организации на высокий уровень сервиса делают каждое посещение Эрарты приятным. В здании работают ресторан Erarta Cafe с летней террасой, кофейня, а также магазины подарков, репродукций и книг по искусству.

Галереи современного искусства Эрарта продвигают современное искусство России на международном арт-рынке Галереи Эрарта представлены в самых важных центрах современного искусства на карте мира и дают посетителям в Лондоне, Гонконге и Санкт-Петербурге возможность приобрести произведения современного искусства — работы более 170 авторов из 20 регионов России. Продажа произведений современных авторов в международной сети галерей Эрарта — неотъемлемая часть механизма продвижения искусства, позволяющего расширить географию популяризации художников современной России.

Существование двух таких разных — как музей и галереи — институтов под одной крышей является уникальным и позволяет мировому арт-сообществу не только видеть работы известных художников, но и знакомиться с тем, что создают молодые авторы.

В музее Эрарта представлены проекты, которые можно увидеть только в его стенах:

• Тотальные инсталляции U-Space, позволяющие за время 15-минутного сеанса погрузиться в определенную атмосферу и пережить яркий эмоциональный и ментальный опыт;
• «Театр без актеров» — мультимедийный спектакль, в котором главные роли играют картины, оживающие благодаря аудио- и видеоэффектам;
• «Изоанимация», представленная короткометражными анимационными фильмами, которые демонстрируют работы художников развернутыми во времени, объясняя или обыгрывая их сюжеты;
• «Изолитература», где каждый посетитель получает возможность выразить свои мысли и эмоции, навеянные произведением искусства, в виде эссе, лучшие из которых публикуются и размещаются около работы.

Одна из главных задач Эрарты — показать, что в регионах России живут талантливые, яркие и самобытные художники. В рамках главного выставочного проекта музея «Россия в Эрарте» в Петербурге прошли выставки авторов из Самары, Перми, Новосибирска, Красноярска, Ижевска, Иркутска, Уфы и Краснодара. Эрарта также провела выездные выставки в Краснодаре, Перми, Новосибирске, Сургуте, Ханты-Мансийске и Выборге.

Неотъемлемая часть общего проекта Эрарта - Команда Erarta Design. Она предлагает решения по интеграции современного искусства в интерьеры частных резиденций, офисов и публичных пространств, включающие оригиналы, репродукции, созданные в любом размере и на любом материале, wall-art(перенос изображений на стены и потолки), а также арт-объекты, разработанные совместно с художниками и созданные в дизайн-мастерской Эрарты. Примеры сотрудничества с Erarta Design можно увидеть в аэропорту Пулково, отелях Four Seasons и множестве офисов и частных резиденций в Санкт-Петербурге, Москве и Лондоне.

ВЫСТАВКИ

ВАУ-МОДА! WORLD OF WEARABLEART

06.10.2018 — 03.02.2019

Уже три десятка лет WOW поражает воображение зрителей со всего мира и стирает не только географические рамки, но и границы между модой и искусством. Ежегодный конкурс WOW привлекает ведущих дизайнеров мира, давая им уникальную возможность продемонстрировать свое творчество без оглядки на коммерческую составляющую.

Каждый дизайнер работает с человеком как с чистым холстом, создавая костюмы, больше похожие на арт-инсталляции. Художественное воплощение идеи, безусловно, важнее всего, но оно не исключает практичности — костюмы конкурсантов World of WearableArt можно и нужно носить!

Это дизайнеры ежегодно доказывают в столице Новой Зеландии — Веллингтоне на шоу финалистов, которое совмещает в себе театрализованное представление и перфоманс. В 2017 году в шорт-лист конкурса попали 122 дизайнера-финалиста из 13 стран мира. За впечатляющим шоу WOW одновременно наблюдало более 60 тысяч человек.

Многие из самых значимых, ярких работ, созданных за несколько лет для WOW-шоу, осенью 2018 года впервые отправились в Россию. Единственным российским музеем, который представил эти произведения дизайнерского искусства, стала Эрарта. Посетители выставки увидят множество удивительных костюмов: кокетливое платье из розового стеклопластика, в котором можно почувствовать себя принцессой; фактурную «Американскую мечту», напоминающую стремительный и стильный ретро-автомобиль; наряд из ткани, папье-маше и проволоки, превращающий человека в фантастического жителя морских глубин; одеяние в форме готического замка и многое другое.

Для музея Эрарта мода — важное направление современного искусства, и уже несколько лет Эрарта совместно с ведущими мировыми институциями и дизайнерами демонстрирует в Петербурге выдающиеся образцы фэшн-дизайна. Ранее музей показывал в Петербурге выставку футуристической обуви от известных мастеров со всего света; удивительные творения именитого «шляпника» Филипа Трейси; оригинальные костюмы из фильмов Федерико Феллини, задававшие направление европейской моде XX века; нашумевший проект лондонского музея Виктории и Альберта «Под одеждой», посвященный истории дизайна нижнего белья.

Выставка, собравшая лучшие работы конкурса дизайнеров WOW, стала логичным и важным шагом и для музея, и для проекта World Of WearableArt, ведь в России есть множество талантливых дизайнеров, которые могут стать достойными участниками этого международного конкурса.

Увидеть костюмы от World Of WearableArt можно с 6 октября 2018 года по 3 февраля 2019 года.

ВЕЧНОЕ ДВИЖЕНИЕ. ВЫСТАВКА ЛАТВИЙСКИХ ХУДОЖНИКОВ

26.09.2018 — 19.11.2018

Музей современного искусства Эрарта впервые открывает в России выставку произведений латвийских авторов из коллекции Райвиса Забиса.

Все латвийские художники, приглашенные к участию в выставке «Вечное движение» в петербургском музее Эрарта, — Дайга Крузе, Лига Кемпе, Атис Якобсонс, Каспарс Перскис, Даце Делиня-Липска и Илгварс Заланс — выпускники Латвийской академии художеств, их работы хорошо известны в профессиональных кругах на протяжении уже многих лет. И хотя местная художественная конъюнктура в последнее время не очень благоприятствовала современной живописи, те художники, кто избрал в качестве основной именно эту художественную практику, сумели доказать, что латвийская живопись никогда не теряла свой значимости. Будучи одной из самых выразительных художественных форм, она всегда вызывала почти благоговейное восхищение.

Дайга Крузе является примером художника, чья работа в значительной степени диктуется интуицией мастера. Она предпочитает игру с цветовыми блоками и мазками, в процессе которой возникают абстрактные фантастические ландшафты. Отправной точкой для них служат как реальные пейзажи, так и воображаемые пространства, отражающие не знакомую нам реальность, а своеобразный внутренний эмоциональный ландшафт художницы, представленный нам в глубоко личной манере.

Художник Илгварс Заланс  уделяет особое внимание выразительным свойствам живописи, видя в этом и основную творческую задачу, и главную трудность своего ремесла. Илгварс — художник-самоучка. За свою карьеру он успел попробовать себя в самых разных техниках, отдавая предпочтение тем из них, что берут начало в живописи действия и перформансе, которые он практикует с 2007 года.  Классическая масляная живопись на холсте художнику тоже интересна, что и подтверждает данная выставка, но в его двухмерных живописных полотнах все равно заметна связь с живописью действия: в них есть спонтанность, импульсивность, неожиданность и необузданность цвета.

Художница Лига Кемпе в своей работе сконцентрирована на технических аспектах. Ее живопись строится из множества красочных слоев, которые автор дополнительно процарапывает, лакирует, шлифует и полирует, добиваясь выраженного глянцевого сияния. Нередко ее работы в буквальном смысле становятся тонко отшлифованной драгоценностью. И хотя ее произведения можно отнести к более декоративному, салонному искусству, они, тем не менее, интересны выбором тем: здесь есть место и размышлениям о женской доле, и темам межличностных отношений и человеческой судьбы в целом.

Даце Делиня-Липска — еще одна художница, которую интересует тема женственности. Ее картины, написанные многоцветными, яркими мазками, изображают сложных, незаурядных персонажей. Важно отметить интересное соотношение между изначальным импульсом, который пытается запечатлеть художница, и общей темой, помещенной в более широкий информационный контекст. Например, недавняя серия работ посвящена женщинам таких народностей, как суйты и сету, — представительницам этнических групп, с давних пор проживающих в западной части Латвии, на юге Эстонии и в России. В своих произведениях Даце делает акцент на их внешности — осанке, одежде, суровости лиц. Все это указывает на внутреннюю силу, являющуюся частью идентичности этих женщин, формировавшейся веками и сохранившейся до наших дней.

В отличие от ярких полотен Даце, работы Каспарса Перскиса выполнены в монохромной гамме. Художник предпочитает черный цвет и насыщенные оттенки серого. Несмотря на мрачную палитру и довольно грубое письмо, художнику, тем не менее, удается придать своим работам особый лиризм, нередко благодаря присутствию в них человека, чаще всего — женщины. Его произведения можно назвать минималистичными, здесь почти ничего не происходит. Человеческое присутствие скорее задает атмосферу, определенное настроение, а не имитирует реальную жизненную ситуацию.

Атиса Якобсонса, последнего из представленных на этой выставке латвийских художников, интересуют вопросы гендерной идентичности и та тонкая грань, что отделяет мужское от женского. Вступая в игру с различными образами и персонажами, в первую очередь в жанре портрета, он экспериментирует с восприятием зрителя, бросая вызов нашим предубеждениям. Художник возвращается к классическому жанру портрета, который на протяжении многих столетий служил не только зеркалом, отражающим социальный статус и достаток модели, но и пространством для самовыражения и размышлений автора. В процессе создания своих работ Атис всегда так или иначе взаимодействует с людьми, которых он изображает, беседуя с ними, делая наброски с натуры или фотографируя их. Это позволяет ему составить некий психологический портрет модели, который неизменно является важной частью итоговой работы.

Разнообразие творческих методов, продемонстрированное представленными здесь шестью художниками, подтверждает, что в наши дни живопись стала столь многообразна и многопланова, что практически каждый может найти в ней что-то для себя. Живопись как вид искусства продолжает бросать вызов самой себе и зрителю, требуя от него внимательного изучения и оценки, особенно если задействованы традиционные выразительные средства. Ее художественный язык никак нельзя назвать устаревшим. Выставка «Вечное движение» в музее Эрарта и участвующие в ней художники олицетворяют разнообразие подходов и техник, переосмысливая современное значение живописи и стремясь показать широкий спектр творческих практик, утверждая своеобразный демократизм этого вида искусства. 

СПОРТ ЕСТЬ МОЛОДОСТЬ. Выставка  в музее Эрарта

20.09.2018 — 03.12.2018

Музей Эрарта представляет групповую выставку художников, размышляющих в живописи, графике, скульптуре и коллаже на тему трансформации роли спорта в жизни общества.

Групповая выставка художников разных поколений обращается к современному состоянию спорта как культурного явления. Задорное восклицание «Спорт есть молодость», послужившее заглавием проекта, напоминает лозунг советских спортивных праздников и одновременно агрессивный рекламный слоган, истинность которого всегда ставится под сомнение. Присмотревшись к этому спорному суждению, экспозиция пытается проследить становление целого ряда устойчивых спортивных образов.

Спорт конца ХХ — начала ХХI столетия не до конца утратил свою генетическую связь с боями гладиаторов или кровавыми крестьянскими забавами. Вот и работы художников Михаила Гавричкова, Елизаветы Березиной и Андрея Карташова вдохновлены воинственной природой кровавых зрелищ. Боксерские поединки или схватки борцов, безусловно, являются интересной задачей для рисовальщика, позволяющей проявить мастерство в изображении рельефа мышц или создать мощную по динамике композицию. Но прежде всего художник вглядывается в личность бойца как в непознаваемого «другого» — человека, обладающего счастьем предаться кровавому инстинкту в рамках ринга. Любопытно, что и Михаил Гавричков, и Андрей Карташов помимо кисти охотно упражняются с гирей, что дает им дополнительное понимание своих героев.  

В середине ХIХ столетия рост городов и появление канцелярских служащих, нуждающихся в досуге, способствовали становлению «физической культуры» под девизом «В здорово теле — здоровый дух». В учебных заведениях стали появляться гимнастические залы, где формировался культ атлетического тела, вылившийся в «парады физкультурников» и массовые спортивные действа 30-х годов. Следы машинной эстетики массового тела оказались очень живучи в поп-культуре благодаря столь же безупречным образам воспевших их художников Лени Рифеншталь или Александра Дейнеки. На выставке в Эрарте  вы легко отыщете несколько явных ассоциаций с этой условно античной или даже условно тоталитарной традицией.   

С 50-х годов ХХ столетия распространение СМИ приводит к невероятному скачку популярности спортивных зрелищ. Главным завоеванием массового спорта стало, как ни странно, обращение к внутреннему миру человека, а именно к психологии физиологии. На смену коллективным массовым действам пришел культ спортсмена поп-звезды, а спорт обратился к индивидууму и личному переживанию.

Человек сегодня активен как никогда. Он все меньше ходит в кино и читает на досуге, горожанин хочет действовать самостоятельно — не читать, а публиковать свои мысли в блоге, не только смотреть футбол, но и играть в него, либо принимать деятельное участие в хулиганских околофутбольных делах.

Идея сенсорности и расширения внутреннего пространства через тело пришла на смену психоделической революции с ее пафосом расширения сознания. Сдвиг границ и выход за пределы возможностей происходит в практиках экстремального спорта, при наличии своего рода перегрузок организма. Об этом абстрактная работа ветерана скейтбординга на Неве Платона Петрова, создавшего доску-проун, застывшую в фундаментальной позиции Олли (Ollie), с которой начинаются блаженные секунды свободного парения в пространстве.

Интересны реалистические портреты Анны Карповой, на которых изображены задумчивые яхтсмены Финского залива, презрительно именующегося с 18 столетия «Маркизовой лужей». С этих портретов на нас смотрят загорелые морщинистые мальчики, живущие морскими приключениями, обладатели счастья общения со стихией.

Здесь отчетливо видно, как бум «общества потребления» плавно перетекает в становление «общества переживания», в котором человек готов заплатить не за вещь, но за определенный опыт, выбивающий его из рутины, будь то эмоциональный взрыв в ликующей толпе стадиона или покупка новой модели любого пилотируемого объекта — от скейтборда до сверхскоростного автомобиля.

Эти ярчайшие явления современного массового спорта нашли свое отражение в экспозиции выставки «Спорт есть молодость». 

ВЛАДИМИР ДАЙБОВ. ОДНАЖДЫ В РОССИИ

22 августа – 5 ноября 2018

Выставка одного из ведущих российских художников, лауреата премии им.Дейнеки - ВЛАДИМИРА ДАЙБОВА. Экспозиция представляет более 60 работ художника последних лет.

• Заслуженный художник РФ
• Безлюдные пейзажи, отражающие постоянство бытия
• Контрастные цветовые отношения и метафизика искусства

Владимир Дайбов родился на Урале, сформировался в творческой атмосфере Ленинграда конца 1970-х, испытал влияния русского авангарда, немецкого экспрессионизма и ленинградского андеграунда. В Серовском художественном училище он занимался вместе с Георгием Гурьяновым и Виктором Цоем, видел зарождение рок-клуба и протестной культуры. Но время перемен стало для него не эпохой тотальной спектакулярности, а временем сосредоточения и формирования собственного стиля.

Он словно буддист вырвался из колеса жизни мегаполиса, из карусели тщеславия, сошел с поезда в тихом Курске, чтобы почувствовать себя и несуетный мир вокруг. Для одних время в провинции остановилось, для Дайбова же оно отстоялось и очистилось от суеты до пластической формулы. В его безлюдных пейзажах присутствует уплотненное вещество созерцательности, выражающее не переменчивость, а постоянство бытия.

Работы художника обладают свойствами знаковости, пластичности, обобщения. Он использует пастозное и плотное письмо, четко очерченные формы, контрастные цветовые отношения. Но произведения Владимира Дайбова — не просто визуальные факты и находки из жизни цветовых соотношений в наработанном русле мастерства. Это своего рода метафизические пейзажи, способные порой и заразить зрителя тоской бытия, и поразить его неожиданной красотой повседневной реальности.

ДИТЕР М. ВАЙДЕНБАХ. ПУТЕШЕСТВУЯ ПО ТЕАТРУ МИРА

10 августа – 18 ноября 2018

• Ретроспектива 50-летних отношений с русско-советским искусством
• Биография автора и история послевоенной Европы в картинах
• Вечный нонконформизм, поиск и провокация

Выставка «Путешествуя по Театру мира» является итогом 50-летней творческой деятельности художника, остро ощущающего сопричастность движению истории, в том числе и в качестве актера «мировой арены».

Благодаря своим личностным качествам Дитеру Вайденбаху удалось построить карьеру художника в Германской Демократической Республике. Он окончил гимназию, штудировал историю искусства на филологическом факультете Лейпцигского университета им. Карла Маркса и учился в Высшей школе графики и художественного оформления книги. В 1967—1968 годах Дитер Вайденбах посетил СССР по линии студенческого обмена с Московским полиграфическим институтом. К 1960-м годам относится одна из первых ученических работ — вольная интерпретация портрета киргизской девочки «Дочь чабана» Семена Чуйкова. На творческое становление автора во многом повлияла русская культура и знакомство с коллекцией Эрмитажа, социалистический реализм и образы Шагала, отозвавшиеся в рисунках 70-х годов, созданных по мотивам впечатлений о России.

В 1974 году молодой художник получает престижную художественную премию ГДР, становится предметом пристального внимания и нередко критики со стороны чиновников от искусства. В 1977 году на Дитера Вайденбаха обратил внимание известнейший в стране художник и влиятельный функционер Вилли Зитте, пригласивший его продолжить обучение в своей мастерской в Академии художеств в Галле-на-Зале.  

Несмотря на явные успехи и заграничные поездки, широкой популярности на родине Дитер Вайденбах не достиг — слава принадлежала старшему поколению художников. Тем не менее работы Вайденбаха, затрагивающие популярную тему экологии, выставляются и продаются на Западе в качестве самобытного современного искусства из ГДР. В 1984 году Министерство культуры ГДР отклонило запрос художника-участника Венецианской биеннале посетить выставку, что послужило поводом для подачи заявления о выезде из страны. В 1985 году лишенный гражданства ГДР Дитер Вайденбах начинает новую жизнь свободного художника в Западном Берлине. Падение Берлинской стены художник наблюдал прямо из окна мастерской неподалеку от «Чекпойнта Чарли» — в самом центре событий. Отсюда же начинается продолжительное паломничество по святым местам живописцев и поэтов-романтиков ХIХ столетия, прежде всего по Италии.   

Творчество Дитера Вайденбаха тесно связано с городом поэтов и мыслителей Веймаром, где сегодня живет и работает автор. Вайденбах обосновался здесь в 1982 году, отсюда он был изгнан в 1985-м и именно сюда вернулся в 1991 году, в новую, объединенную Германию.

Путешествуя по Театру Мира, Дитер Вайденбах достаточно вольно обращается с художественным наследием Европы. Живопись Дитера Вайденбаха пестрит цитатами, интерпретациями и метаморфозами растиражированных образов. Так, в начале 1990-х художник увлеченно переписывал картины Гойи и Веласкеса, передавая знаменитым образам настроение настоящего. Но, пожалуй, основным лейтмотивом творчества Вайденбаха является многолетний диалог с сакральными текстами немецкой культуры. Его первый творческий успех — картину «В пути» — можно считать живописным воплощением знаменитого романтического текста «Из жизни одного бездельника» Йозефа фон Эйхендорфа. Гений Вайденбаха обращался к Крестьянской войне и биографии Фридриха Ницше, к наследию Дюрера и мистическим богиням Отто Рунге. Вайденбах пережил возрождение, создав свой «Изенгеймский алтарь» и серии офортов. В театрализованных, фантасмагорических работах Вайденбаха в качестве актеров выступают полулегендарный художник Грюневальд и современник Вернер Тюбке, великий Гете и вымышленный собирательный образ потрепанного жизнью поэта-романтика, сжимающего в кулаке отцветающий символ творческих сокровищ духа — голубой цветочек из романа Новалиса.   

Но главным образом, занимающим автора с конца 1970-х, стала картина «Остров мертвых» Арнольда Беклина. Благодаря невероятной массовой популярности на рубеже ХIХ—ХХ столетий, вплоть до массового распространения репродукций, эта элегическая картина, созданная в утешение вдове, стала едва ли не символом эпохи. Свою интерпретацию картины создал Сальвадор Дали, а единственный не доживший до наших дней экземпляр приобрел для Рейхсканцелярии Адольф Гитлер. Самой распространенной культурологической интерпретацией картины швейцарского символиста является аллегория прощания с классической эпохой и предвосхищение модерна, а следовательно, нового мира. Первое обращение Дитера Вайденбаха к тихому медитативному образу в 1978—1979 годах стало своеобразным продолжением истории о безмолвном плавании саркофага по тихим водам реки смерти. Художник второй половины ХХ столетия создал индустриальные острова смерти, свидетельствующие о тупиковом пути предельной рационализации мира, породившей варварское отношение к природе и проекты по массовому истреблению людей. Остров смерти возникает в работах Дитера Вайденбаха как в предельно мрачной работе 1980 года, так и в более светлых, сатирических работах нулевых. Мировосприятие художника, обращающегося к вечным темам жизни и смерти, лучше всего отражает монументальная работа «Пляска смерти в Веймаре». В немецкой культуре есть еще одно сложно переводимое на русский язык понятие — «скурильность». За ним кроется абсолютное приятие действительности даже в самых негативных, отталкивающих ее чертах при наличии отстраненной позы иронии. Живущая по сей день традиция изображения «плясок смерти» в литературе и изобразительном искусстве является как раз примером скурильности, где сочетается печальное и комическое, отталкивающие и прекрасное, высокое и площадное, вульгарное.  

Творчество Дитера Вайденбаха с его элегической или автобиографической линией и мотивом странничества, с его непримиримой сатирической фантастикой и экзотической ретроспективностью можно охарактеризовать как абсолютно романтическое.